El padrino (1972)

The Godfather, conocida  como el Padrino,  es una  película estadounidense de 1972 dirigida por Coppola. Producida por Albert S. Ruddy de  la compañía productora Paramount Pictures y basada en la novela de Mario Puzo. Don Vito Corleone es el jefe de una de las cinco “familias” que tienen el poder en la Cosa Nostra en Nueva York en los años cuarenta .Representa la vida y la experiencia de inmigrantes italianos a los EEUU y muestra las contradicciones del famoso “sueño americano”. En el reparto de  personajes Marlon Brando protagonizara la película , que interpreta a Don Vito; también están  Al Pacino, James Caan y John Cazale en el papel de los hijos de Don Vito: Michael, Sonny y Fredo…

Marlon Brando como Don Vito Corleone   no era del agrado de la productora Paramount, de hecho el papel le fue propuesto anteriormente a Laurence Olivier, debido a su excéntrico comportamiento y a las bajas taquillas que registraba en sus últimas producciones, y ante la negativa de Puzo y Coppola de alejarlo de la producción.  Brando realizó la prueba  e hizo su audición con las mandíbulas llenas de algodón para alterar el rostro y la voz y lograr el personaje de Corleone, los productores quedaron impresionados. Don Vito es la cabeza de la familia criminal Corleone, la organización criminal más poderosa de la ciudad de Nueva York durante la década de los años.  Es retratado como inmigrante italiano que se convierte en un despiadado jefe de la mafia, aunque con un propio código de honor. Al envejecer deja el liderato a su hijo más pequeño Michael, y éste se convierte en su asesor. A su muerte Michael asciende a Don de la familia.

                    

Es una película basada en el libro del mismo nombre escrito por el novelista italoamericano Mario Puzo. Aunque la novela al momento de su lanzamiento fue todo un éxito, irónicamente a Puzo no le gustaba; incluso declaró que sólo la escribió con el afán de ganar dinero. Puzo conoció en 1968 a Robert Evans, productor ejecutivo de la Paramount Pictures en ese tiempo, y le ofreció los primeros borradores de una futura obra que tentativamente se llamaría Mafia; Evans le compró los derechos de la novela a Puzo por 12.500 dólares. Después de la salida y éxito de la novela, ahora titulada El padrino, en abril de 1969, la Paramount Pictures decidió llevarla a la pantalla grande y convertirla en la típica película de gangsters.

El primer día de producción fue oficialmente el 23 de marzo de 1971 con un presupuesto inicial de cerca de un millón de dólares.

 El Padrino trata principalmente sobre el poder de la lealtad en el seno de la familia Corleone y en la comunidad en la que vive. La historia arranca con la boda de Connie, la hija del padrino, Don Corleone.  Este aparece como un señor feudal que recibe las felicitaciones y juramentos de lealtad de su amplia familia clientelar. En el transcurso del día, el padrino recibe generosamente a las muchas personas que acuden a pedirle favores. Pero sus tres hijos  siempre presentes, todo parece indicar que Sonny, su primogénito, es quien le sucederá en el poder, y que Fredo no está preparado para dirigir los asuntos de la familia. Sin embargo, el hijo menor, Michael, que regresó de la segunda guerra mundial convertido en un héroe, hasta el momento ha permanecido al margen de los negocios familiares. El responsable Michael ha pasado por la universidad, y El Padrino espera que se mantenga al margen de los asuntos del clan. Michael se ve forzado a asumir el liderazgo de la familia tras haberse quedado incapacitado, don Corleone.

La película presenta un profundo retrato de la época, pero sobre todo es una crítica a la sociedad norteamericana, a la práctica política, la inmigración, la relación de pareja, la violencia criminal. Se ha criticado al director el ofrecer una imagen demasiado atractiva del mundo de la mafia.

Fue estrenada en 1972,  y llegó a ser considerada como una de las mejores películas de todos los tiempos y la mejor película de Coppola. “El padrino” se  hizo con tres premios de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas estadounidenses, mejor Actor para Marlon Brando, mejor Película y mejor Guion Adaptado para Mario Puzo y Coppola. También se llevó cinco Globos de Oro por Mejor película Drama, mejor director, mejor actor drama, mejor canción original y  mejor guion.

                                         

Rebelde sin causa (1955)

JAMES DEAN-REBELDE SIN CAUSA

Serán James Dean (JIM STARK), Natalie Blood (JUDY) y Sal Mineo (PLATO), los protagonistas de esta atrepidante historia estanoudinense de 1955 dirigida por Nicholas Ray, quién nos quiere mostrar de entrada en la soledad del adolescente incomprendido y a la vez aislado de la sociedad debido a que su infancia tubo lugar en un ambiente propicio al trauma emocional.  

La absorción de complejos y miedos ajenos, dos temores que el adolescente Jim intentará expulsar a través de la violencia y el abandono, caracterizándole de tal manera como el adolescente violento de la película.

JIM STARK.

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Jim Stark protagonizará el papel principal como el adolescente recién llegado a los Ángeles,El hecho de que Jim no sea un adolescente como otro cualquiera hará que resalte entre el reparto de los diferentes personajes, tratándose así de un adolescente cuya personalidad se encuentra invadida por su orgullo, entre otra cosas.

Sin embargo, esto no le impedirá experimentar nuevos sentimientos, hasta el momento desconocidos, tales como el amor que al cabo del tiempo sentirá hacia Judy, una joven de gran belleza natural, que conseguirá atrapar el corazón de nuestro adolescente Jim. 

Todo comienza en una comisaría donde se unirán por primera vez las  tres vidas protagonistas, como resultado de la búsqueda  no correspondida del desahogo existencial.

Este primer encuentro no va a ser el último, ya que posteriormente con el comienzo de curso, resulta que los tres adolescentes son compañeros de escuela, y será entonces cuando comienza una gran amistad.

Jim como un recurso más con el que intentar olvidar y expulsar sus temores, acude a una competición de vehículos, donde de manera peligrosa se demuestra la valentía de los participantes, consistiendo así,  en dirigirse de manera muy temeraria con el vehículo hacia un precipicio, de tal manera que el que salte primero, es el más cobarde y por lo tanto el perdedor.

Así pues el inspector Ray descubre que estos tres personajes presentan algo en común, algo que va a ser clave en el desarrollo de la historia de la película; los tres mantienen una relación conflictiva con sus familias, y como resultado, ha surgido se encuentro.

JIM & JUDY

En el caso de Jim, llega a comisaría al ser encontrado de manera ebria en mitad de la acero, mientras que Judy a raíz de la fuga de su casa y Platón sin embargo, de manera muy atroz acababa de haber matado a disparos a unos cachorros.------------------------------------------___________________________________________

Referente a la película cabe destacar que ha sido nominada a tres Oscar de la Academia, además de ser aclamada por la crítica.

ESCENA COMPETICIÓN DE VEHÍCULOS

En cuanto a James Dean, es uno de los actores más conocido en la historia del cine por diversos motivos, pero puede que el hecho de que James Dean era en dedicado actor que trabajó en Broadway y pasó por la célebre Actor’s Studio, esa cuna de la actuación de donde salieron los más reputados actores de Hollywood de la década del cincuenta, tuviera algo que ver,algo ya hablado en entradas anteriores.

Taxi Driver (1976)

Taxi Driver es una película estadounidense de 1976 dirigida por Martin Scorsese y escrita por Paul Schrader. Narra la historia de Travis Bickle (Robert De Niro), un excombatiente de Vietnam, claro antihéroe de los setenta norteamericanos, década triste y amarga, heredera del sueño roto del hippysmo de los sesenta, mutilada por la guerra de Vietnam, invadida por las drogas y los camellos, todo ello anclado en una desesperación silenciosa con tendencia a estallidos de ira en forma de violencia. De entre toda esta desesperación vivamente retratada por Scorsese, de calles llenas de camellos, chulos, putas y luces de neón con carteles cómo "Fascination", renace la figura del alienado por la sociedad, ese hombre sólo, algo zopenco, incapaz de funcionar en un mundo aparentemente normal, donde él, aislado, sólo hace que alimentar su paranoia, bien circulando por las calles llevando a cualquier tipo de pasajero, bien escribiendo un diario siempre narrado en off, en el que escribe una y otra vez cómo "Llegará una lluvia que se llevará toda esta mierda". Sólo, triste, rechazado... Travis pasa el tiempo libre que no está en el taxi bebiendo, yendo a Salas X y alimentándose con dietas desastrosas, que no hacen más que aislarle más de la sociedad en la que se halla.

La grandeza del personaje de Travis Bickle, es que todos somos o hemos sido alguna vez cómo él, ese sentimiento de rechazo, de soledad, se hizo patente en el público de los setenta, y es lo que mantiene aún hoy viva la película, por que pese a todos sus defectos, la conjunción Schrader-Scorsese-De Niro, entendió lo que significaba ese dolor y así lo representó en imágenes, trasmitiéndolo a un público que se dividía ante la asimilación e identificación y el rechazo, en especial por la violencia exhibida al final del film.

El desencadenate de la locura de Travis finalmente será la relación que tiene con dos mujeres. La primera, Betsy (Cybill Sheperd), es la persona que él elige para acercarse a un mundo que no le pertenece, sin embargo, preso de la ignorancia, por un lado, y por otro, con ciertas ganas de arrastrarla hacia su particular submundo, la lleva a una Sala X, donde ella primero, lo encuentra divertido por lo atípico de la situación, y luego lo rechaza, sintiéndose insultada, y saliendo del cine escapándose, literalmente de Travis, que la sujeta por el brazo varias veces, sin lograr entender que es lo que había pasado. Luego Scorsese dibuja perfectamente lo que es y siente Travis, cuando en un plano en el que él esta llamando a Betsy para excusarse, Scorsese desvía el plano hacia un pasillo vacío. Eso es Travis: un gran vacío.

La segunda mujer que se cruza en el camino de Travis es la joven prostituta de doce años Iris (Jodie Foster), que una noche se introduce en su taxi llorando pidiendo que la saque de allí, cuando irrumpe su chulo Sport (Harvey Keitel), y por la fuerza la saca del taxi y se la lleva. Esa situación y su posterior encuentro con ella en una habitación, donde Travis es incapaz de tocar a la chica, tras haber negociado con Sport en una escena divertida y tensa a la vez, fruto de la improvisación entre estos dos monstruos de la interpretación, le lleva a entender su función en la vida: Eliminar a la escoria como Sport.

A partir de ahí Taxi Driver se dispara, primero Travis compra un montón de armamento en otra inolvidable escena en la que un pasante ilegal le explica que es lo que hace cada tipo de arma, posteriormente mata a un negro que estaba atracando una tienda y empieza a acosar al candidato a presidente, el senador Pallantine (Leonard Harris). Scorsese pasa del excelente retrato de espacio suburbano neoyorquino a la trinidad calvinista enunciada arriba, Travis está preparado. Ha hecho flexiones, ha soportado el dolor de la llama del fogón, se ha fabricado una prótesis para sacar una pistola por la manga, ha escrito a sus padres, ha puesto dinero en un sobre para Iris, se ha afeitado la cabeza a lo mohicano (o a lo punk, como se prefiera) y ha estado jugando con el espejo «Are you talking to me?».

El fin de Travis, tal como él lo veía sólo podía pasar por la catársis, es un ser condenado desde el primer fotograma, su evolución desde que le rechaza la vendedora de palomitas del cine X (interpretada por la primera mujer de De Niro, Diahne Abbot) hasta que el individuo del taxi (interpretado por el propio Scorsese) le confiesa que va a matar a su mujer por que se está acostando con un negro, Travis está condenado. Así tras su fallido intento de matar a Pallantine, en una secuencia claustrofóbica, y sí, violenta, Travis libera a Iris provocando una matanza, pero cuando quiere suicidarse al final de la misma, no encuentra con que hacerlo. Sutil ironía para este sociópata que acabará encumbrado por los periódicos como nuevo héroe tras salvar la vida de Iris, la brutal escena acaba con un escalofriante travelling en picado que desciende lentamente desde la habitación de la matanza a la calle donde ya se aglomera la gente interesada por lo ocurrido. Sin embargo, y cómo refleja el último detalle del film en que Travis mira sobresaltado por el retrovisor por haber creído oír o ver algo, en palabras del propio Scorsese "Travis es una bomba de relojería capaz de estallar en cualquier momento".

Evolución del Actors Studio a partir de Lee Strasberg

Lee Strasberg murió en 1982, fue entonces su hija Susan, quien se encargó de continuar con la dirección de la escuela, hasta 1999, año en el que Susan falleció. Actualmente, este prodigioso estudio está presidido por Ellen Burstyn, Harvey Keitel, y Al Pacino. Su sitio oficial puede ser visitado en la dirección:  http://www.theactorsstudio.org/ .
como consecuencia del gran prestigio que adquirió esta escuela se llevaron a cabo una  serie de documentales; Insight The Actors Studio,los cuales pueden ser seguidos a través de diferentes canales de la televisión por cable, donde se ofrece cada vez un reportaje dedicado a las  diferentes figuras que han pasado por este gran estudio y que hoy en dia son muy reconocidas popularmente al igual que el Actor Stuio. 
Será Lee Strasberg, uno de los personajes más revelantes en este ámbito por sus numerosas interpretaciones y  junto con estas, la buena dirección que llevó sobre los Actors Studio.

A raíz de la II Guerra Mundial el Actor’s Studio sufrió diversos cambios en su entorno de la interpretación, entre ellos : actores, guionistas y directores se vieron obligados a posicionarse sobre los acontecimientos. Podemos destacar que a pesar de todo esto, el Actors Studio se ha encargado de unir a personajes populares como en el caso de Marlon Brando, Jack Nicholson y Cristopher Walken, al haber comenzado allí mutuamente su profesión.

Esta escuela que goza de cierto privilegio, tuvo tiene y tendrá gran trascendencia en el mundo de la interretación, como podemos verlo al comparar modo en que se aproximaban a sus personajes James Stewart, Spencer Tracy, Greta Garbo o Bette Davis con el que eligieron alumnos del Actor’s Studio como Montgomery Clift, Robert de Niro, Anne Bancroft o Ellen Barkin,

Elia Kazan : Actors Studio

 ¿No habéis oído hablar del Actor’s Studio? ¿Qué era el Actor’s Studio? Era una escuela de interpretación que se fundó en 1947 por Elia Kazan en Nueva York.

Quería crear una organización sin fines lucrativos que proporcionase un taller privado. Un lugar que ofreciese a sus miembros una formación experimental, con continuidad del trabajo, conservando el ambiente de un hogar artístico que habían logrado con el Group Theatre.  Finalmente se decidió que la afiliación debería lograrse a través de un proceso de audición preliminar, donde los únicos requisitos  fueran el talento y la capacidad de mejora.

En 1948, Elia Kazan le ofreció unirse al estudio a Lee Strasberg, como uno de sus maestros, y en 1951 se convirtió en su director artístico, cargo que mantuvo hasta su muerte en 1982. La comprensión que realizó Strasberg del método Stanislavski, junto con sus propios descubrimientos personales y mejoras en el proceso de interpretación, fueron el fundamento sobre el que se ha basado la labor del Actors Studio hasta el día de hoy. Al mismo tiempo, en el trabajo de Elia Kazan como director de cine.

                                         

Durante todos estos años, la existencia misma del Actors Studio, los principios y los valores que representa, la metodología de su trabajo  han establecido el estudio como una organización teatral única y una luz que guía a los actores, directores y dramaturgos de todo el mundo. Hoy en día el trabajo que se realiza en el Actors Studio sigue el enfoque de Stanislavski.

El Actors Studio está relacionado con los mejores nombres de actores, directores y dramaturgos americanos. Elia Kazan, por su prestigio, ha atraído a toda una generación de actores, que, a su vez, incluyó en muchas de las películas que componen su filmografía. Marlon Brando, Marilyn Monroe, Al Pacino, James Dean…

En la actualidad, Ellen Burstyn, Harvey Keitel y Al Pacino desempeñan un  cargo muy importante del Actors Studio.

A pesar de la presencia del Actors Studio durante muchos años y su amplia influencia en América y en todo el mundo, todavía existen muchos malentendidos del estudio, sus mentores, su filosofía y su proceso. Estos errores se originan a partir de los debates por parte de teóricos, historiadores e incluso por algunos profesionales del teatro que tratan de analizar e interpretar un proceso de trabajo que nunca han aprendido a través de la práctica seria. El trabajo de Stanislavski  y el estudio de los agentes se llegó a través de experimentos prácticos profundos y largos que escapan a un análisis racional de los no practicantes.

                                      

El origen del Actors Studio; de Konstantin Stanislavski al Group Theatre de NY

El ActorsStudio de Nueva York fue fundado en 1947 por el director de cine Elia Kazan, el director y productor de teatro Cheryl Crawford y el actor y profesor de interpretación Robert Lewis. Esta asociación lleva más de seis décadas dedicándose al servicio y desarrollo del trabajo de los actores, directores y dramaturgos. Ofreciéndoles la oportunidad de explorar y mejorar su arte, permitiéndoles compartir su trabajo con otros miembros en un entorno seguro para la experimentación teatral.

Konstantin Stanislavski

El origen del Actors Studio se remonta al Group Theatre (1931-1941), una compañía de teatro inspirada en los descubrimientos del gran actor y director ruso Konstantin Stanislavski. Cuando la Compañía del Teatro de Arte moscovita pasó por Norteamérica, dos de sus miembros, Maria Ouspenskaya y Richard Boleslavski, se quedaron en Nueva York y pronto se dedicaron a la enseñanza desarrollando el sistema de su maestro Konstantin Stanislavski.

Con ellos conocieron las enseñanzas del método Stanislavsky algunos jóvenes actores norteamericanos, como Lee Strasberg. Conducidos por las ganas de llevar lo aprendido a los escenarios, Lee Strasberg, Harold Clurman y Cheryl Crawford fundaron el Group Theatre, todavía hoy considerada la mejor de todas las compañías norteamericanas de

teatro.

Junto con otros artistas como Elia Kazan, Sanford Meisner y Robert Lewis, exploraron y desarrollaron el trabajo de los maestros rusos, con resultados únicos en la historia del teatro americano, creando un nuevo tipo de acción.

 Crawford, Strasberg y Clurman

Después de que el Group Theatre cerrara, muchos de sus miembros continuaron la labor teatral yendo por caminos separados. Elia Kazan declaró que una de las razones principales por la que creó el Actors Studio fue con el fin de preservar y desarrollar esta nueva acción estadounidense.

Elia Kazan dirigiendo a Marlon Brando en "La Ley del Silencio"